«За кулисами звука: беседа с Романом Бестселлером. Интервью о музыке, технологиях и вдохновении.»

Сколько времени ты потратил на создание последнего продюсерского альбома?

Работа над альбомом заняла менее года, примерно девять или восемь месяцев. Однако точно определить время, затраченное на процесс достаточно сложно, так как основной акцент был не столько на создании материала, сколько на взаимодействии с артистами. Кроме того, не все артисты имели достаточно времени для полноценного написания песен, поэтому во многих треках мне пришлось также выступить в роли сонграйтера и автора текстов.

Как это повлияло на твой творческий путь? Есть ли у тебя планы на будущее в этом направлении?

Задачей этого альбома было не просто предугадать тренды или догнать уже существующие, а создать нечто уникальное.
Для меня этот альбом стал своего рода музыкальным экспериментом, в котором я стремился сохранить истинную суть каждого из моих гостей, их характер, но и в то же время связать всех разножанровых артистов в единый музыкальный концепт.

Это альбом стал лабораторией для экспериментов!
Как и мое сольное творчество, он породил огромное количество идей, которые я намерен использовать и дальше в своем продакшене – звуки, грувы и многое другое. В будущем я планирую продолжить работу в этом направлении, стремясь к еще более инновационным и захватывающим проектам.

Какие именно моменты или вдохновения побудили тебя уделить больше времени созданию продюсерского альбома? Какие ожидания у тебя связаны с этим альбомом, и что ты надеешься получить от него?

Этот альбом, на самом деле, должен был увидеть свет намного раньше.
Многие ожидали от меня подобного рода проекта, в котором я пригласил бы множество своих друзей-артистов.
Что я хотел донести до аудитории?
Прежде всего, я хочу подчеркнуть полное значение слова «АРТИСТ».
«Арт» — искусство , и слово «Артист» по сути своей — человек исскуства, а не человек с микрофоном!
В общественном сознании зачастую принято считать артистами лишь тех, кто берет микрофон и выходит на сцену.
Однако на самом деле артист может быть любым творческим индивидуумом:
художником, танцором, продюсером и музыкантом.
И таких людей в нашей индустрии пора перестать воспринимать, как обслуживающий персонал!
Этим альбомом я хочу сломать восприятие «заказчик-исполнитель», ведь то что мы создаем лепит в тусовке и НАШЕ лицо, ну а клиент далеко не всегда бывает «прав»…

Какой артист больше всего тебе понравился для совместной работы, и почему именно он? В каком аспекте сотрудничества с этим артистом ты нашел наибольшее понимание и вдохновение?

Все артисты, которые приняли участие в этом альбоме, оказались великолепными в творческом взаимодействии. Они все легко приняли, что вступают в некий музыкальный эксперимент – мой саунд продюсерский альбом, и оказались очень воспитанными гостями!
Ну а я старался сохранить их творческую суть и характер с уважением — так же, как они относились к моему творчеству.
Однако, я заметил, что чем выше артист в рейтинге популярности и чем сильнее его вокальные и творческие способности, тем легче с ним работать. Они более гибки, многогранны и открыты к исследованию новых идей.
Честно говоря, для меня были открытием два артиста, с которыми я ранее не имел опыта работы в студии – JONY и LYRIQ. Оба они оказались мега гибкими, приятными в общении и легкими в работе. С JONY мы после моего альбома записали с десяток песен, включая «Воздушный сарафан» и «Эпикфит», который недавно вышел.
Что касается LYRIQ — это игра в толковый пас двух саундпродюсеров и я уверен, что у нас еще много работы впереди!
Думаю мы сделаем еще много интересного вместе.

Какие песни или проекты с этим артистом были особенно вдохновляющими для тебя? Мог бы ты поделиться некоторыми конкретными моментами или деталями совместной работы?

Работа над проектом JONY «Эпикфит» действительно стала для меня источником огромного вдохновения. Я был очень впечатлен идеей,
где JONY дал шанс абсолютно неизвестным ребятам проявить себя, если они обладают талантом и музикальными скиллами. Для этого проекта мы создали три песни вместе – три я, и еще три он написал совместно с саунд продюсером, Мишей Малахиным.
Это было для меня вдохновляющим процессом, так как я помню себя в начале творческого пути, и когда в моей жизни появлялись похожие возможности, это было здорово и мотивирующе.
Работая над этим проектом, я понял, что делаю что-то действительно ценное, и рад быть частью этой доброй и светлой энергии.

В чем, по твоему мнению, заключается ключевой элемент успешного сотрудничества между продюсером и артистом? Какие факторы делают работу с некоторыми артистами особенно приятной и продуктивной?

Ключевым элементом успешного сотрудничества между продюсером и артистом, на мой взгляд, является взаимоуважение. Когда артист относится к саунд продюсеру не как просто заказчик , а как к человеку искусства, обладающему своим опытом и музыкальным вкусом.
Ну а саундпродюсер воспринимает артиста не как просто клиента, а как человека, в чье творчество он может привнести что-то свежее!
Ну и конечно взаимоуважение — это создает основу для эффективной работы.
Кроме того, важно, чтобы музыкальные вкусы совпадали. Но не на все сто процентов!
Небольшие различия могут сделать сотрудничество более интересным, так как каждый может внести свой уникальный вклад.
Отсутствие заморочек и перфекционизма также играют важную роль. Я лично стараюсь относиться к творчеству максимально просто и без лишних душных забуксовок!
Музыка должна быть свободной и сохранать цельную эмоцию.
Иногда работа над треком в течение нескольких месяцев может размыть изначальные эмоцию и единую мысль песни.

Подводя итог, ключевые элементы успешного сотрудничества – это взаимоуважение, сочетаемость музыкальных взглядов и отсутствие снобизма(погоней за идеальностью) в творческой работе.

Как ты видишь различия между нашим продюсированием и американским стилем? Почему, по твоему мнению, так много обсуждений и внимания уделяется американскому звучанию?

Это действительно интересный вопрос. Я уже отвечал на него в других интервью, но на вашей платформе это будет очень актуально.

Суть в том, что американский подход к продакшену напоминает больше конвейерную ленту, где задействовано множество людей-звеньев в процессе.
Один человек отвечает за первичный скетч, другой — за вокальные хуки, третий — за текст, четвертый — за аранж.
Затем специалист по вокалу на студийной сессии(вокальный продюсер) записывает артиста, потом садится парень,который тюнит вокалы, следующее звено — миксинг инженер, а затем — на мастеринг в отдельную студию.
Звучит немного душновато и муторно, не так ли?
Но самое главное — в итоге у них отсутствует некая целостность. Люди просто пытаются собрать некий «массовый» продукт по шаблонам в режиме конвейера.

В российском продакшене же часто встречается концепция «one man», где один человек отвечает за все этапы, что делает продукт более целостным, самобытным и уникальным. Да, он не такой глянцево вылизанный, но от того и уникальный, трушный что-ли, понимаешь?
Ведь именно саундродюсер, видит всю картину в целом и отвечает за каждый этап производства.
Это придает нашей музыке более глубокий смысл. Кроме того, у нас стало больше экспериментальных и самобытных треков, которые становятся хитами!
В то время как в США часто просто продолжают эксплуатировать один и тот же стиль, пока не отобьются миллионные инвестиции. У нас более свободная атмосфера, где тренды и жанры меняются гораздо быстрее, чем в штатах. Там хип-хоп может доминировать долгое время, в то время как у нас постоянно появляются новые звучания. Наши топы вдохновляют меня больше, чем американские, ведь именно наши чарты демонстрируют разнообразие и эксперименты в звуке, что очень вдохновляет.

Есть ли какие-то особенности в звуке или подходе к продюсированию, которые, по твоему мнению, делают американских продюсеров более успешными или популярными? Что, по твоему мнению, способствует тому, что звучание американских проектов часто воспринимается как более энергичное или динамичное?

Это понятно, что большое внимание уделяется обсуждениям, почему американское звучание такое крутое и так далее и так далее. Ну конечно же они были новаторами в двадцатом веке может быть даже в начале двадцать первого, но сейчас честно говоря у них кризис.
И здесь еще также играет роль особенность славянского менталитета типа мол :«Фирма», «импортный, микрофон», «импортные джинсы» это круто! А то, что все наше — это отстой.
Но ребята! Вы даже не представляете, какое количество у нас есть НАШИХ героев, которые залетели в европейские чарты, BBC Radio 1, Energy и так далее. Это электронные музыканты и диджеи, о которых вы всю жизнь думали, что это кто-то оттуда!
Но на самом деле это наши ребята из Ярославля, из Нижнего Новгорода, у нас огромное количество чуваков, о которых вы просто ни хрена не знаете.
Rompasso, Going Deeper, Filatov & Karas, Slider & Magnit , DVRST и т.д.
Да о чем мы говорим вообще? У нас в стране даже не знают, что DRIFT PHONK — это чисто русский стайлак!
Цените СВОИХ!

Как ты считаешь, есть ли какие-то конкретные аспекты нашего звучания, которые могли бы быть улучшены? Какие шаги ты бы предложил предпринять для развития нашего музыкального сообщества и улучшения нашего звучания?

На мой взгляд, на сегодняшний день на рынок поступает огромное количество треков от хоум-продюсеров, которые работают из дома. Эта самобытность, кажется, является их сильной стороной, но также и слабостью. Общаясь с многими из них, я обнаружил, что многие работают просто в комнатах, не предназначенных для работы со звуком. Однако аранжировка начинается с выбора первых звуков и тембров ударных, банально — с первой бочки! И если у вас кривая комната, вы начинаете свой бит с искаженного звука. Поэтому ребятам стоит серьезно обдумать этот момент. Во-первых и как минимум, необходимы качественные наушники, чтобы избежать отражений в комнате. Например, модели Audeze MM-500 или, по крайней мере, Sennheiser HD 600. Это позволит значительно повысить качество их проектов. Кроме того, стоит больше времени уделять практике работы с микшированием. Вместо делегирования этой задачи другим, стоит попытаться самостоятельно добиться наилучшего звучания, не полагаясь исключительно на звукоинженера, который может иметь совершенно иной музыкальный вкус. Например, Рик Рубин, хотя он и известный рок-продюсер, мог бы подойти к сведению дрила совершенно по-другому. Поэтому я считаю, что нашим хоум-продюсерам необходимо иметь подходящее помещение и больше внимания уделять звучанию уже на стадии создания, а не полагаться на последующее «чудесное» сведение.
Изначально классный бит ни один звкорежисер не испортит!

Как у тебя обычно строится график дня в контексте работы над музыкальными проектами? Сколько времени ты обычно тратишь в день на музыку?

Ребята, сначала я хотел бы поделиться мед информацией о том, сколько времени безопасно работать со звуком. Исследования показывают, что на колонках мы можем работать до 6 часов в сутки, а на наушниках — всего лишь 4. Все, что больше — может негативно сказаться на психике и слухе. Мой распорядок дня зависит от того, работаю ли я с артистом или, например, у меня запланирован день для работы  одному. Когда я работаю с артистом, стараюсь действовать оперативно, чтобы сделать процесс комфортным для него. Мало кто любит проводить на студии по 15 часов. Это утомительно. Поэтому я всегда стараюсь работать эффективно и делать перерывы каждые полтора-два часа. Когда я работаю сам над сведением, я делаю перерывы каждые сорок пять минут — час, чтобы сохранить объективность в прослушивании. Мои перерывы, когда я работаю в одиночку, обычно длительнее и могут составлять двадцать-тридцать минут, в то время как с артистом обычно делаем пятнадцатиминутные перерывы. Мой рабочий день скорее утренний-дневной, чем вечерний-ночной. Я не продуктивен ночью и обычно начинаю работать где-то в час дня, стремясь закончить к восьми вечера с учетом перерывов и прочего.
Работать надо не много, а эффективно.
Хотя бывают конечно краши по 10-12 часов, когда приходиться сводить по 2 трека в день!

Какова роль поездок на Бали в твоем творческом процессе? Что именно ты ищешь и находишь там? Это просто отдых и релаксация или ты также находишь вдохновение для своих музыкальных идей?

Бали для меня и моей жены — это как второй дом. Честно говоря, в прошлый раз я даже ни разу не достал AirPods за весь отдых. В поездках на Бали я стараюсь максимально изолироваться от звуков и музыки. Но на этот раз у меня было больше дел связанных с музыкой. Я поработал с двумя артистами и снял со своей женой Мари ОЧЕНЬ много фото и видеоконтента (лавы/сниппеты) для поддержки своего альбома. Плюс я это еще и все смонтировал сам! Я понимал, что полноценного отдыха не получится, поэтому запланировал на отпуск целых два месяца, понимая, что помимо отдыха придется решать множество задач помимо творческих (документы, коммуникация с менеджментами).
До этого (2019 и 2020) на Бали я уделил больше внимания своему сольному творчеству как вокалист и написал два альбома: «Лето Летай» и «Да Будет Утро».
Более того «Да Будет Утро» я вообще записал на коленках, используя только USB микрофон Rode NT, наушники Senheiser HD 600, и гитару, которую я купил за семьдесят долларов здесь на Бали. Также я использовал контроллер MPC в качестве мидяхи. В таких условиях я создал один из самых интересных альбомов в пандемию.
Трек «Факел» занял 2е место на музыкалити! И наверное занял бы 1е, если бы Ганвест не голосовал сам за свой трек как ведущий.

Какие конкретные моменты или аспекты пребывания на Бали помогают тебе в творческом процессе? Это местный ландшафт, атмосфера или возможность уединения, что стимулирует твое воображение и вдохновляет?

Честно говоря, я не знаю, как работает этот остров и влияет на мою энергетику, но то, на что я мог бы потратить два часа в своей студии, имея все музыкальные инструменты и студийные мониторы, на Бали я делаю за час в наушниках. Почему-то здесь все происходит быстрее, идеи словно летают в воздухе. Я знаю, что каждый чувствует этот остров по-своему, но для меня он именно такой. Здесь все получается быстро, легко и просто.

Какие плагины ты в настоящее время в основном используешь в своей работе? Можешь ли выделить какие-то конкретные фирмы или производителей, плагины которых представлены в твоем арсенале?

Сейчас практически весь звук «месится» на плагинах, и все меньше аналогового оборудования.
В целом набор у всех плюс минус один и тот же: Waves, UAD и FabFilter — это то, чем пользуются практически все.
Я сам больше всего использую Arturia, Waves и UAD, но также нахожу применение для FabFilter (особенно их лимитера, Saturn и Pro-DS).
Относительно MeldaProduction — это мои очень старые друзья. Это действительно замечательные инструменты, которые базируются на математике и предлагают очень точное звучание без дополнительного окраса. Возможно, именно их простота и точность привлекут вас к ним. Каждый продюсер имеет свои предпочтения, и важно найти те инструменты, которые подходят именно вам.
Но к абсолютно любым плагинам надо привыкать

В чем заключается твой подход к приобретению плагинов? Ты предпочитаешь покупать их официально или загружаешь из интернета? Как у тебя обстоят дела с лицензиями на использование плагинов?

Как вы понимаете, я не могу устанавливать взломанные версии плагинов UAD Universal Audio, поскольку это требует DSP. У меня есть множество приобретенных плагинов, включая набор AVOX и Autotune. Если это ваш бизнес, я понимаю, но после введения санкций многие издатели плагинов начали ограничивать доступ пользователей к приобретенным продуктам, что вызвало у меня недоумение. Я потратил три года, чтобы привыкнуть к тому, что нужно покупать их продукцию, а теперь вынужден искать альтернативные пути. Конечно, у меня есть некоторое количество «ломаного» софта, без него нельзя обойтись.
Сейчас я чувствую некое удовлетворение, когда мне удается найти работающую «взломанную» версию программы.
Потому что нельзя использовать музыку и спорт в политических целях

Какие конкретные задачи или деятельности входят в твою ежедневную практику в области музыки? Например, ты занимаешься сочинением мелодий, написанием текстов, созданием аранжировок, занимаешься сведением и мастерингом?

Каждый раз, когда ко мне приходит человек, я учусь чему-то новому в процессе. Иногда я помогаю в том творческом аспекте, о котором мы изначально не говорили. Например, если кто-то приходит ко мне, чтобы написать музыку, и у него возникает затруднение с текстом, я ухожу на курилку с чашкой кофе и через двадцать минут возвращаюсь уже с готовым куплетом и припевом. В какой-то момент я стал настолько опытным, что написание текстов стало для меня простым процессом. Раньше я мог тратить на один текст целый день, или два!
Сейчас мне достаточно максимум часа для куплета с припевом. Что касается мастеринга, недавно я прошел курс у Кости Матафонова, и планирую пройти еще курс по сведению.
Ведь мы живем, пока учимся. Как только мы думаем, что знаем все — мы умерли.

Разделяешь ли ты свои дни на различные задачи или виды деятельности в рамках работы над музыкой? Например, у тебя есть дни, когда ты больше занимаешься творческим процессом, а есть дни, когда уделяешь больше внимания техническим аспектам?

Конечно, у меня бывали перегруженные дни, когда я мог просто в один день сделать аранжировку, потом записать кого-то, а под вечер еще и сесть свести трек. Но это был режим «пожарной машины», когда горели дедлайны из-за неорганизованности менеджмента артиста, и мне приходилось выкручиваться, чтобы спасти ситуацию. В целом же я обычно ставлю для себя одну задачу в день. Либо я делаю демо с артистом, создаем скетч, придумываем вокальную мелодию и записываем демо. Либо я просто делаю полноценную аранжировку для кино, где уже все предопределено. Или же я свожу трек целиком. На каждую из этих задач я как правило выделяю целый день. В целом, получается, что я трачу около четырех-шести часов, как я уже говорил, на работу со звуком. И, в принципе, могу спокойно справиться с любой из этих задач в указанные временные рамки.

Какой подход ты предпочитаешь к сведению и мастерингу своих треков? Ты обычно делаешь это самостоятельно или предпочитаешь передавать задачу профессионалам?

Во-первых, я всегда сам свожу весь свой материал. Это для меня очень важно и даже немного ревностный момент. Честно говоря, я нервничаю, когда артисты забирают свои треки для сведения к кому-то еще, потому что никто не сможет свести мой трек с такой же любовью и вниманием, как я сам.
Я знаю, что вкладывал в каждую партию, где она должна находиться в миксе, и какие идеи и вдохновение стояли за каждой нотой.
Начал я изучать сведение, наверное, в двадцать один год. Теперь мне тридцать шесть, так что уже шестнадцать лет я сам свожу свои треки. Конечно, у меня был опыт сотрудничества с другими инженерами, но результат всегда был непредсказуемым. Поэтому я предпочитаю работать сам.
Мой подход к сведению музыки включает короткие сеансы по 45 минут, после чего делается перерыв на 20 минут, чтобы сбросить усталость и не замыливать восприятие. Я сначала занимаюсь инструментальными партиями, убирая лишнее, затем перехожу к работе с вокалом, чтобы сосредоточиться на нем без отвлечения на бит. После того как все технические и художественные аспекты урегулированы, я приступаю к работе над балансом и звучанием. Этот процесс также включает перерывы, чтобы сохранить ясность восприятия.
Мастеринг я также выполняю самостоятельно. Я пробовал работать с разными мастерами, но часто они меняли звучание так, что не всегда соответствовало моим ожиданиям. Поэтому я решил делать мастеринг в том же проекте, в котором делаю сведение, чтобы иметь возможность в любой момент вносить коррективы в баланс и сами музыкальные партии.

Какой решающий фактор для тебя определяет, что трек готов для сведения и мастеринга? Ты самостоятельно принимаешь это решение, или консультируясь с кем-то?

Во-первых, когда я создаю трек, я сразу стремлюсь к тому, чтобы он звучал так, как я хочу, без необходимости в последующей доработке другим звукорежиссером. Я сам являюсь этим звукорежиссером, который доводит трек до совершенства. Поэтому я уже на стадии создания стараюсь подобрать тембры и партии синтезаторов так, чтобы они звучали хорошо. Многие мои коллеги, получив демо-версию моего трека, говорят, что это уже почти готовый мастер. Однако я всегда знаю, что можно сделать еще лучше. Учитывая, что я и аранжировщик, и звукорежиссер, и продюсер вокальной сессии, я могу продолжать работать над аранжировкой и вокалом даже в процессе финального мастера.
Часто я понимаю, что какие-то элементы аранжировки не ложатся как надо, и в таких случаях я могу легко внести изменения. Например, если обнаруживаются диссонансы в вокальной линии, я могу изменить аккорд или подправить ноты. Именно это, кстати, делает нас лучше зарубежных коллег, которые разделяют обязанности между собой. Мы можем в любой момент вмешаться и подправить любой элемент процесса, в то время как для них это было бы гораздо сложнее.

Какие факторы влияют на твой выбор конкретных плагинов для использования в своей музыкальной продукции? Сколько внимания ты уделяешь качеству звука, удобству использования или другим аспектам при выборе плагинов?

Ребята, важно не только количество плагинов, которые у вас есть, но и то, сколько классных треков вы создали с их помощью.
Как сказал Брюс Ли — не бойтесь человека, который знает 1000 ударов, бойтесь того, который одним ударом вырубил 1000 человек
У меня такой же принцип. Главное в плагине не столько его окрас и прочие характеристики, сколько то, как долго вы уже с ним работаете и насколько хорошо вы его знаете. Вот такой подход.

Какие инструменты ты предпочитаешь играть живьем в своих музыкальных выступлениях? Есть ли у тебя любимые инструменты, которые ты считаешь основными для своего звучания?

На самом деле, один из моих основных музыкальных инструментов, который присутствует практически в каждой аранжировке, это гитары различных видов. У меня есть акустические гитары с нейлоновыми и железными струнами, электрогитары с различными тембрами и характерами звука, а также бас-гитары. Гитара — это мой основной инструмент, и на ней я играю даже лучше, чем на клавишных.

Есть ли у тебя какие-то необычные или экзотические инструменты, которые ты иногда используешь в своей музыкальной практике? Какие именно инструменты вызывают у тебя особый интерес или вдохновение?

Да, конечно. На самом деле я базовый гитарист. С шести лет играю на гитаре. Мне также несложно создавать клавишные партии, и я достаточно долго увлекался драм-партиями на MPC. До MPC я с братом часто играл на барабанах: он играл на гитаре, а я на синтезаторе брал звук барабанов и выбивал ритмы на клавишах. Потом мы менялись. Для меня работа с MPC — достаточно простая штука. Я часто использую духовые инструменты. Учитывая, что я мультиинструменталист, у меня вообще хобби — осваивать новые музыкальные инструменты.
Бансури, дудук, саксофон, гусли, глюкофон, хангдрам, виолончель — это то, на чем я научился методом тыка!
Некоторые из них я уже освоил до уровня музыканта в метро, а некоторые пока что только на уровне студийной записи, где я могу экспериментировать, сэмплировать и настраивать звук. Все в процессе.

Какие партии ты чаще всего играешь самостоятельно в живых выступлениях, а какие партии ты обычно записываешь с использованием виртуальных инструментов или программных синтезаторов?

Все зависит от того, какую роль играет данная партия в композиции. Например, если нужно создать фоновую атмосферу со скрипкой, которая звучит вдалеке в миксе, то можно воспользоваться библиотеками, такими как Spitfire Kontakt. Однако, если скрипка несет на себе значимую мелодическую часть, то я предпочитаю либо использовать семплы скрипки с платформы Splice, либо записывать эту партию самостоятельно на виолончели, чтобы она звучала выразительно и естественно, подчеркивая живой характер музыки.
В треке Sevile «дышать» например звучит виолончель, которую я ускорил питчем, чтоб получилась драл-скрипка
У меня также есть интересная труба от Kontakt, которая позволяет создавать уникальные звуки благодаря модуляционной педали. Кроме того, у меня есть живые гусли (Dulcimer), которые я иногда записываю. Они не всегда подходят под любой трек, но в моей песне «Лето Летай» они звучат очень живо и органично.
Так же вы их можете услышать в моем треке с MIA BOYKA «Набираю разгон»
У меня также много духовых инструментов, таких как китайская бансури, армянский дудук и саксофон. Я научился играть на них самостоятельно после того, как начал заниматься музыкой в музыкальной школе. Меня отправили на уроки флейты, и после того, как я освоил игру на одном духовом инструменте, мне стало легче освоить и другие дудки.

Какой подход ты предпочитаешь к сведению и мастерингу своих треков? Ты обычно делаешь это самостоятельно или предпочитаешь передавать задачу профессионалам?

На самом деле, я уверен, что я работал со всеми возможными жанрами музыки. Это и джазовые аранжировки, и фанки, и много рок-музыки, включая сотрудничество с Ритой Дакота. Когда я жил в Украине, я также занимался различными стилями, от рока до хип-хопа, включая олд-скул рэп, треп, дрил и другие. Я выпустил и создал много поп-музыки, таких как «Луи-Луи» и «Мало Половин».Также работал с крупной формой в кино — у меня около 2- саундтреков к нашим фильмам и трейлерам.
Сейчас я стараюсь не делать слишком много явно эстрадных композиций, по крайней мере, чтобы не потерять самобытность.
В целом — просто стараюсь не циклиться на одном жанре! Чем больше ты работаешь в каком-то конкретном стиле, тем больше он тебе нравится, и ты начинаешь становиться его ярким представителем в своей продакшн-нише. С одной стороны это хорошо, с другой — узко!
Например, есть люди, которые создают отличные диджейские треки, но если попросить их сделать что-то в стиле R&B с вокалом, они могут «поломаться», не понимая, какие группы нужны и как все это совместить по тембрам, балансу и общей атмосфере.
Сейчас я предпочитаю атмосферные композиции с использованием пэдов, а также рок-музыку. Можно сказать, я «полиглот» в музыкальном плане, умеющий работать в различных жанрах.
Плюс я решил «обозвать» свой звук на альбоме «SciFi Blues» — это сочетание фьючерсов бэйса, гитарных риффов и аналоговых «теплых» синтов.

Кто, по твоему мнению, является достойным аранжировщиком или продюсером в постсоветском пространстве? Кто из музыкантов твоего региона, на твой взгляд, также заслуживает признания за свои аранжировки и продакшн?

Сложно сказать, что является моим регионом, поскольку последние десять лет я живу в Москве, и я не совсем в курсе происходящего на украинской музыкальной сцене. У них там своя музыкальная культура, ближе к инди, по моим наблюдениям. Я полностью переключился на российский музыкальный рынок, где очень большой мультикультурный микс, включая влияния с Кавказа, из Азии, Грузии и прочих регионов.
Из аранжировщиков и саунд-продюсеров, которые меня вдохновляют, хочу выделить Антона Беляева. Его работа с Therr Maitz и The LAB действительно впечатляет. Он очень образованный музыкант с интересным подходом. Также мне нравится стиль работы мистера Мороза и Егора Сесарева — они создают экспериментальный звук, который всегда интересно слушать.
Кстати для Инстасамки какой-то секретный парень делает прикольно.
На российском рынке также есть другие талантливые музыканты, такие как Михаил Малахин, Трофим (Елкин саундпродюсер), Moroz у каждого из них свой неповторимый стиль и звучание. Я не считаю, что у нас в России не умеют делать музыку — наоборот, у нас есть много талантливых людей, и я с уважением отношусь к их работам.

Есть ли какие-то артисты или продюсеры, с которыми ты бы хотел сотрудничать или чувствуешь, что ваше взаимопонимание и стиль работы могли бы совпасть?

Поработать с MACAN — это было бы здорово. Несмотря на то, что он представляет новую школу своим стилем и текстами, в которых чувствуется влияние старой школы, в том числе таких групп как старая Каста, он действительно выделяется. В его творчестве ощущается влияние G-Unit и 50 Cent, что проявляется в его ритмических хуках и флоу. Мне очень нравится то, о чем он читает, и я бы с удовольствием поработал с ним.
By India — очень стилевый вокалист и музыкант,
3 дня дождя — я думаю мы можем прикольно поймать на общей рок волне,
Rompasso — с ним бы я хотел поработать в первую очередь именно как вокалист.

Какие аспекты аранжировки или продакшна, по твоему мнению, требуют дополнительного совершенствования или развития? В каких областях ты чувствуешь, что у тебя есть недостатки или слабые места?

За последние пять лет я уже не раз обещал себе, что возьму несколько уроков по игре на саксофоне, так как переодически использую его в своих аранжировках. Однако то, что я научился на нем играть, скорее всего, было результатом метода проб и ошибок, а также базовых знаний, полученных в музыкальной школе по игре на поперечной флейте. Хотя аппликатуры на обоих инструментах схожи, у саксофона есть много техник и приемов, которые можно освоить только с помощью опытного преподавателя. Даже уроки на YouTube не заменят профессионального обучения.
Кроме того, я бы хотел больше развить левую руку при игре на клавишах. Обычно музыканты просто используют правую руку для игры, тыкая левой рукой бас одним пальцем.
Но профессиональные пианисты могут мастерски играть обеими руками синхронно. Поэтому я также рассматриваю возможность взять несколько уроков по клавишным инструментам.
Сейчас наступает эра искусственного интеллекта, и важно следить за тем, что происходит в этой области. Многие процессы сейчас автоматизируются и упрощаются благодаря искусственному интеллекту, и я считаю важным оставаться в курсе этих изменений.